意大利斯卡拉歌劇院

廖昌永在東方藝術中心會員活動日上為觀眾講解歌劇 圖片由東方藝術中心提供

在許多人眼中，高深莫測的歌劇似乎總是帶著些神秘的色彩，而在上海音樂學院副院長、著名男中音歌唱家廖昌永看來，大可不必把歌劇看得那樣嚴肅，用心聆聽音樂、感受劇情，就能領略到歌劇的魅力。

下個月，享譽世界的意大利斯卡拉歌劇院將為上海觀眾帶來音樂會版歌劇《西蒙·波卡涅拉》。近日，廖昌永在東方藝術中心為觀眾們解讀了這部歌劇的奧秘，并接受了記者的采訪。

比交響樂多了劇情，比舞蹈多了語言

在許多人眼中高深難懂的歌劇，在廖昌永看來是一門很有趣的藝術。

“歌劇比交響樂多了劇情，比舞蹈多了語言。它是一門綜合藝術，觀眾可以在其中欣賞音樂、感受戲劇的魅力，還能欣賞舞臺美術、建筑、服飾，感受歌劇背后的文化歷史，我覺得挺好玩的。”廖昌永說。

小時候家鄉的村子里剛剛有電視機，廖昌永無意中聽到電視里傳來從未聽到過的動聽旋律，他被迷住了。“雖然我聽不懂她在唱什么，但是她的表情、眼神消除了語言的隔閡，最關鍵的是，她的歌聲充滿魅力，那音樂本身就足夠打動人。”后來，廖昌永才知道，那位歌唱家就是著名女高音歌唱家瑪利亞·卡拉斯。

要想真正看懂歌劇、領略歌劇的美，對歌劇的基本知識和劇情還需有所了解。尤其對中國觀眾來說，語言是最大的障礙。廖昌永認為，事先做一些劇情方面的“功課”必不可少。

歌劇的劇情大多并不復雜，因為畢竟是以音樂為主的戲劇，戲劇要服務于音樂語言，音樂太長觀眾會感覺受不了，所以歌劇的劇情大多是單線條的。

以即將在上海上演的《西蒙·波卡涅拉》（又名《父女情深》）為例，這是威爾第完成的第20部歌劇。該劇以歷史上真實存在的14世紀熱那亞總督西蒙·波卡涅拉為原型，講述了他與女兒阿梅莉婭失散25年后曲折重逢的故事。全劇在表現父女情深的同時，還以頗具歷史感的敘事，展現了14世紀熱那亞貴族與平民由紛爭走向和解，以及西蒙·波卡涅拉勵精圖治、胸懷大愛，為熱那亞帶來和平與繁盛的故事。

不同于其他歌劇作品，《西蒙·波卡涅拉》 不是通過很多音樂唱段串聯起來的，而與瓦格納的作品頗有些許相似，更注重戲劇性。廖昌永說，欣賞《西蒙·波卡涅拉》，需要從戲劇的角度，體會整個作品的構思。

30歲唱威爾第，還不成熟

如今在歌劇舞臺上經常演出的歌劇，主要有實景版和音樂會版。

相比于實景歌劇，音樂會版看似不夠過癮，卻能夠讓歌唱家擺脫舞臺動作和調度，更全情致力于歌唱，甚至更容易與臺下觀眾現場互動。因此音樂會版歌劇的“看頭”就在于拋開舞美、燈光對觀眾的吸引，讓觀眾真正從聲音中感受歌唱家和指揮家的默契。

歌劇是用聲音來塑造人物形象的，音樂會版歌劇對歌劇演員的聲音要求也更高。

說起歌劇演員的聲音，就不得不提他們的嗓子。廖昌永說，觀眾對歌劇演員的嗓子有一種誤區，覺得嗓子好像全是靠練出來的。其實，究竟是唱高音、中音還是低音，是根據聲帶的寬窄厚薄等因素決定的，不是想練就練得出來的。

1988年的夏天，廖昌永考取了上海音樂學院，在開往上海的火車上，有人聽說他是練聲樂的，就對他說：”小伙子，你好好練，爭取十年后練成男高音。”

“我以前確實努力往男高音發展，但后來發現其實是生理條件決定了到底能唱什么聲部。現在好多人問我，怎么把高音練上去。我說你先去查查聲帶，看是哪個聲部的聲帶，就唱哪個聲部。”如今已經成為著名男中音歌唱家的廖昌永說道。

對歌劇演員來說，選擇什么樣的曲目也大有講究，選的曲目不適合自己的嗓子，甚至不適合自己的年齡，就有可能會唱壞嗓子。

在上海音樂學院讀研究生的時候，有一次一位外籍教師給廖昌永上課，廖昌永唱了一首威爾第的作品。唱完后，老師說：“請你不要唱威爾第的作品了，你不適合。”如今講到這段經歷，廖昌永釋然一笑。“當時我的確是不服氣的：我唱得下來，為什么不讓我唱？但現在回過頭想，當年確實對作品的理解沒有成熟到那種程度，即便把整部作品唱下來，聲音色彩是不對的。我也許可以‘做’出這樣的聲音，但那是不自然的，而且對嗓音也有破壞。所以，國外一般不太建議在30歲左右唱威爾第的作品，40歲左右是最成熟的。”

演不同的角色需要使用的嗓音位置也不一樣，比如《塞維利亞的理發師》里的費加羅，要輕巧靈快；《游吟詩人》里的盧納伯爵則偏沉重一些；而《弄臣》里的里戈萊托則是典型的男中音。“不同人物、不同場景，聲音的表達也會不一樣。這也是歌劇演員最具挑戰之處，就是對音色的控制、對劇中人物性格的把握。”

廖昌永建議，在此次上演的《西蒙·波卡涅拉》中，觀眾們除了欣賞主角們的表演，還可以特別留意男低音雅各布，也就是其中一位老貴族扮演者的演唱。這個角色是歌劇史上最著名的男低音角色之一，他所演唱的詠嘆調《破碎的心》 也是為數不多的知名的男低音唱段。此外，西蒙與女兒重逢時洋溢幸福的二重唱、西蒙與貴族費耶斯科最終達成和解的二重唱等，也十分真摯感人。

最打動人的是人性的美好

對歌劇演員來說，參演歌劇的挑戰之所以遠遠高于獨唱，因為不僅要過語言關、技術關，還必須要對劇目的人物、歷史、文化背景有充分的了解。從觀眾的角度而言，則可以通過一部歌劇了解許多戲外的故事。

《西蒙·波卡涅拉》就是這樣一部不為中國觀眾熟知，卻非常有故事的歌劇。

在威爾第的作品中，《西蒙·波卡涅拉》不是最著名的，甚至連前五名都排不上，卻是威爾第傾注了最多心血的一部作品。在《西蒙·波卡涅拉》之前，威爾第就憑借《茶花女》《弄臣》《游吟詩人》等作品為人所知，事業可謂如日中天。然而1857年《西蒙·波卡涅拉》首演時卻遭遇票房慘敗，兩年后再演依然蕭瑟。晚年的威爾第除了寫作《奧賽羅》《法爾斯塔夫》之外，只做了一件事，就是修改《西蒙·波卡涅拉》。一直到24年后，斯卡拉歌劇院再演《西蒙·波卡涅拉》，才引起巨大反響。威爾第將自身的人生閱歷充分地融合到作品中，并通過西蒙表現出人性的光輝。

威爾第的歌劇離不開三個主題：愛情、陰謀和死亡。在《西蒙·波卡涅拉》的主要人物身上，威爾第將他認為重要的人性品質都通過角色展現了出來。他晚年的改編，賦予了這部歌劇最重要的“點睛之筆”，尤其是第一幕第二場西蒙在議政廳呼吁和平的段落，這種人性中最美好的品質引起了觀眾的共鳴。有人說，西蒙是威爾第自己的部分縮影，因為威爾第的音樂對促進意大利統一功不可沒，所以結合當時的社會環境背景因素來看，“西蒙”的成功是無可非議的。

此次來上海上演《西蒙·波卡涅拉》的意大利斯卡拉歌劇院，一直有演出威爾第歌劇的傳統。斯卡拉歌劇院是意大利最大的歌劇院，也是世界上音響效果最佳的歌劇院。被譽為“歌劇界的麥加城”的斯卡拉歌劇院見證了19世紀意大利歌劇的輝煌——羅西尼 《試金石》、《土耳其人在意大利》； 貝利尼 《海盜》、《諾爾瑪》； 威爾第 《奧貝爾托》、《納布科》、《圣女貞德》、《奧賽羅》、《法斯塔夫》；普契尼《喬康達》、《埃德加》、《蝴蝶夫人》、《圖蘭朵》 等經典歌劇均在那里首演。